Le Fonds de Dotation Gilles TREUIL

L’art au-delà des musées

Parce que nous croyons que l’art doit aller à la rencontre de chacun, nous œuvrons pour qu’il investisse des lieux variés : écoles, hôpitaux, espaces publics… afin d’apporter culture, émotion et inspiration là où on l’attend le moins.

Un engagement concret

Grâce à des collaborations avec des institutions, des artistes et des experts du patrimoine, le Fonds de Dotation Gilles TREUIL initie et soutient des projets qui ont un impact durable.

Ensemble, faisons de l’art un bien commun et une source de transmission pour les générations futures.

Aux côtés de Reem Yassouf, une autre artiste normande, Elsa Duault nous convie à célébrer la richesse des mémoires et des nuances qui forment notre humanité. Reem Yassouf, par sa démarche sculpturale et picturale, nous plonge dans un monde où les souvenirs prennent forme, où la mémoire est un processus vivant, évolutif. Ses œuvres témoignent de l’intervalle entre la vie et la mort, entre la solitude et la connexion, mais aussi de la tendresse des souvenirs face à la dureté des luttes passées.

Elsa Duault, quant à elle, adopte une approche multidisciplinaire où sculpture, textile, performance, installation et numérique se mêlent pour interroger la manière dont les histoires personnelles s’entrelacent et se transforment au fil du temps. À travers ses œuvres, elle capte les cycles de vie, les expériences familiales et les processus de transmission, rendant visibles ces moments souvent invisibles, mais essentiels.

Chaque œuvre qu’il crée est une exploration de ces éléments, cherchant à établir un équilibre entre la force des phénomènes naturels et la fragilité des écosystèmes. À travers ses bas-reliefs, sculptures, peintures et installations monumentales, il façonne des paysages abstraits où la matière semble s’animer et se transformer sous nos yeux.

Le Hangar 107, situé en bord de Seine, constitue un lieu propice pour cette expérience artistique immersive. La proximité du fleuve fait écho aux thématiques centrales du travail de l’artiste : l’eau et la lumière, omniprésentes dans l’exposition, agissant comme des symboles tant poétiques que politiques.

Conscient des multiples crises que nous vivons — qu’elles soient climatiques, politiques, sociales ou médiatiques — Guillaume Grando propose une réflexion en miroir sur les éléments vitaux de notre planète.

Dans son œuvre Tempête, il met en lumière les conséquences dramatiques du changement climatique et l’impact des activités humaines sur les écosystèmes marins : marées noires, sécheresses, pollution plastique, etc. Cependant, loin de se cantonner à une simple constatation alarmiste, l’artiste invite aussi à la contemplation et à la réconciliation. Ses créations saisissent la beauté des reflets aquatiques, des vagues en mouvement, et nous rappellent l’attrait instinctif que la mer exerce sur nous.

En dévoilant sans détour la dualité de notre relation avec la nature — entre destruction et émerveillement, exploitation et échappées estivales — Grando nous pousse à interroger nos comportements et nos responsabilités. Il nous confronte à cette question essentielle : comment protéger ce que l’on chérit sans sacrifier la liberté qu’il nous inspire ?

Cette exposition immersive, soutenue par le Fonds de dotation Gilles Treuil x Odyssée Immobilier, est une réflexion artistique profonde rendue possible par ces mécènes engagés.

Parce qu’elle pointe une contradiction entre le jugement et les actes, l’acrasie était forcément de nature à intéresser Rero : dans son oeuvre, l’artiste s’attache à révéler les paradoxes qui structurent notre époque et à pointer les failles logiques de tout discours.

Dans le projet AKRASIA, Rero superpose ses mots barrés aux Warning Stripes (« bandes du réchauffement »).

En utilisant ces graphiques de couleur inventés en 2016 par le climatologue Ed Hawkins, l’artiste vient d’abord inscrire la lutte contre le dérèglement climatique au coeur de l’espace public et rappeler l’urgence du passage à l’acte.

Le recours à une série de mots d’ordre et de constats partagés suggère aussi l’ambivalence des mobilisations contemporaines en matière de climat.

Parce qu’elles sont libres de droits et qu’elles ont fait l’objet d’une ample diffusion médiatique, les Warning stripes ont nourri un grand nombre d’opérations de greenwashing : on les a vues dans des défilés de mode, sur des stades de football, bref au coeur des activités les plus contraires à la préservation de nos écosystèmes.

Avec ces oeuvres, l’artiste souligne leur séduction esthétique et le risque qu’elle induit. Les mots et expressions qu’il superpose à leur rythme chromatique ont alors à charge de souligner d’un même mouvement notre volontarisme et notre impuissance…

Rero en association avec le Fonds de dotation Gilles Treuil et le Comité du Faubourg Saint-Honoré St Honoré a exposé à ciel ouvert du 18 septembre au 26 octobre 2023 au coeur de Paris.

Conçue en 2012 par Rero en collaboration avec Stéphane Parain, cette série de bustes voit de nouveau le jour. Déclinée pour l’occasion en 𝗳𝗼𝗿𝗺𝗮𝘁 𝗫𝗫𝗟, elle investit trois lieux emblématiques du centre de Paris (Place Maurice Barrès, Place de la Madeleine et à l’angle de la rue Royale et du Faubourg St Honoré) et vient mettre en perspective leur histoire et leur évolution.

La création de chacune des œuvres obéit à un même principe : la confrontation entre les codes esthétiques de la statuaire classique et un ensemble de termes empruntés à la culture numérique, écrits en lettres capitales et barrés d’un trait.

Pour l’artiste, dont l’œuvre sonde depuis plus de dix ans les contradictions et paradoxes contemporains, cette juxtaposition de deux époques et deux modes de représentation, l’un matériel, l’autre immatériel, nous invite à mesurer l’évolution des techniques.

UPDATE permet aussi de saisir l’architecture du pouvoir contemporain : à sa mise en scène à l’âge classique par la statuaire et l’aménagement urbain, succède son organisation contemporaine sous forme d’hypertexte, de mots clés, de codes informatiques et d’algorithmes.

Des sites emblématiques, puisque Antoine Coypel, personnage représenté par le buste monumental, fut le peintre de Louis XIV et de Louis XV, deux rois qui ont pensé le quartier Madeleine / Concorde, reliés aujourd’hui encore par la rue Royale.

Dans Burn Out, Julien Colombier nous entraîne au cœur d’un monde où la nature s’enflamme sous les couleurs de l’excès et du désenchantement. Loin de toute représentation réaliste, son univers se déploie dans une tension vibrante entre l’éblouissement et l’effondrement. La jungle y devient un théâtre de formes saturées, de lignes incandescentes, de motifs végétaux qui s’enchevêtrent à l’infini, comme pris dans une transe visuelle.

À travers une maîtrise virtuose de la craie grasse, des pigments et du pastel, Colombier compose des paysages mentaux où le rêve flirte avec la brûlure. Ses compositions, hypnotiques et foisonnantes, nous happent dans un chaos maîtrisé, où la beauté devient presque inquiétante. Les motifs, répétés jusqu’à l’obsession, construisent un univers organique à la fois séduisant et menaçant, un écrin fragile pour une nature en surchauffe.

Burn Out, c’est aussi l’épuisement d’un monde saturé de stimuli, une réflexion silencieuse sur notre rapport à l’image, au rythme, à l’accélération. Mais dans cette saturation même, Colombier laisse filtrer une poésie brute, un éclat de lumière dans la surchauffe : l’art comme un dernier souffle, flamboyant.